Geçen hafta, bir avuç müze, Ku Klux Klan’ın çalışmalarında ırkçılığı, antisemitizmi ve bağnazlığı eleştirmeyi amaçlayan görüntülerinin izleyicileri üzeceği veya eserlerin “yanlış yorumlanacağı” endişeleri üzerine ressam Philip Guston’un retrospektifini ertelemeye karar verdi. ” Çarşamba günü, sanat eleştirmeni Barry Schwabsky tarafından bu müzelere hitaben yazılan bir mektup — Washington’daki Ulusal Sanat Galerisi; Güzel Sanatlar Müzesi, Boston; Güzel Sanatlar Müzesi, Houston; ve Tate Modern, Londra – ve yaklaşık 100 sanatçı, yazar ve küratör tarafından imzalanan, ertelemeyi protesto eden Brooklyn Rail tarafından yayınlandı. Bugüne kadar 2.000’den fazla isim eklendi – genç ve yaşlı, Siyah, Asyalı, Farsça, Arap, LGBTQ
Ancak sanat dünyasının dışındaki insanlar için soru şu: Philip Guston kim ve (Covid-19 tarafından zaten ertelenen) bu erteleme neden böylesine bir öfke yarattı?
Basit cevap, Guston’un (1913-1980) bir sanatçının sanatçısı olduğudur. Aldatıcı derecede basit konularının ve vurgulu fırça darbelerinin etkisi, mektubu imzalayan birçok ressamın çalışmalarında hala dalgalanıyor: Henry Taylor, Ellen Gallagher, Nicole Eisenman, Amy Sillman, Mickalene Thomas, Peter Doig ve diğerleri. Guston’ın kalıcı etkisi, yaşamı boyunca da belirgindi. 1940’larda ünlüydü, ancak 1970’lerde büyük bir etki yarattı. Dahası, şu anda sanatçılar tarafından benimsenmesinin bir nedeni, sanat dünyasında sanatın belirli bir şekilde olmasını isteyen zorbalara – özellikle de en etkili sanat eleştirmenlerinden biri olan Clement Greenberg gibi yazarlara – karşı durmasıdır. Ciddi, modern resmin insanları, manzaraları veya natürmortları temsil etmekten ziyade soyut olması gerektiğini düşünen 20. yüzyıl.
1913’te Montreal’de Rus Yahudi göçmenlerinin çocuğu olarak dünyaya gelen Guston, 1919’da ailesiyle birlikte Los Angeles’a taşındı. Arkadaş olacak olan Jackson Pollock ile aynı Los Angeles lisesine gitti ve 1920’lerde ve 30’larda Meksikalıların büyüsüne kapıldı. bir lise öğretmeni tarafından kendisine tanıtılan sanat, Picasso ve Kübizm. (1936’da, o ve Pollock, Dartmouth Koleji’ndeki Baker-Berry Kütüphanesi’nde Meksikalı muralist José Clemente Orozco’nun grafik yeni 24 panelli duvar resmi “Amerikan Medeniyeti Destanı”nı görmek için New Hampshire’a hacca gitti.) ancak kendini evlerinin arka verandasında asan babasının intihar etmesiyle. (1932’de Guston’un erkek kardeşi kendi arabası tarafından ezildikten sonra öldüğünde başka bir trajedi yaşandı.)
Şiddet hayaleti, Guston’ın erken dönem çalışmalarının üzerinde asılı kalır – çoğu zaman dönemin siyasi olarak kışkırtılan çatışması olsa da. 1932’de Guston ve bazı arkadaşları, New York yazarları tarafından New Masses dergisi için başlatılan bir grup Komünist kulübün parçası olan Los Angeles’taki yerel bir John Reed Kulübü için duvar resimleri çizdi. Fresk duvar resimlerinin konusu, Alabama’da haksız yere tecavüzle suçlanan ve ölüme mahkum edilen dokuz genç Siyah adam olan Scottsboro Boys’du. Ancak Ulusal Galeri’nin Guston kataloğuna göre, duvar resimleri, Los Angeles Polis Departmanına bağlı bir birim olan Komünistler ve grevcilerin peşine düşen Kızıl Birlik olarak bilinen bir grup akıncı tarafından tahrip edildi. Borular ve silahlarla kulübe girdiler.
1934’te sanatçılar Reuben Kadish ve Jules Langsner ile ve ünlü Meksikalı muralist David Alfaro Siqueiros tarafından düzenlenen Guston, “Terörizme Karşı Mücadele”ye (1934-35) başladı. Meksika’nın Morelia kentinde bulunan ve İspanyol Engizisyonundan 1930’ların Faşizmine kadar tiranlığı betimleyen bu fresk, sanatçı için ömür boyu bağnazlığın sembolü haline gelen kapüşonlu figürleri içeriyor. Guston daha sonra, İspanya İç Savaşı sırasında gerçekleştirilen vahşet hakkında bir gazete makalesini okuduktan sonra resmettiği, gaz maskeli figürlerden oluşan bir girdap olan rahatsız edici “Bombardıman”ı (1937) yarattı.
Ardından, sonraki on yılda Guston, figüratif çalışmalardan tam gelişmiş soyutlamaya yeni bir üye olarak vites değiştirmeye başladı. Arkadaşları Pollock, Mark Rothko ve Willem de Kooning’in kendilerine özgü soyut stillerini geliştirdikleri 40’lı yılların sonlarına ait resimleri, “İşkenceciler” (1947-48) gibi başlıklar taşıyordu, ancak insan figürleri geometrik şekiller haline geliyordu ve arka planla birleşiyor.
Guston’un New York’ta tamamen soyut eserlerinden oluşan ilk sergisini yapmasına kadar birkaç yıl daha geçecekti – hiçbir insan figürü, görünürde hiçbir nesne, merkezlerinde renk kümeleriyle işaretlenmiş hiçbir nesne. “Seyahat” (1956) veya “Yerlinin Dönüşü” (1957) gibi eserlerde, acil fırça darbeleri birleşerek, resme hakim olan, havada asılı neredeyse küreler oluşturur. 40’lı yaşlarında, Rönesans’tan de Kooning’e kadar Batı sanat tarihinin uzun kolu kadar kendi zihinsel sağlığıyla da savaşıyordu.
Ardından, nesneleri ve insanları temsil etmeye doğru bir başka kayma daha var. İnsan kafaları, bir tür soyut otoportre işlevi gören “Ressam”da (1959) olduğu gibi yavaş yavaş resimlerine dönmeye başladı. Guston’u sınırları aşmak için Martin Luther King Jr. ve Robert F. Kennedy’nin öldürülmesi ve polisin ve Ulusal Muhafızların Demokratik Konvansiyon dışındaki kalabalığa yönelik saldırılarından sonra, 1968 ilkbahar ve yazını alacaktı. “Bütün o Saflıktan bıktım usandım!” 1977’deki bir röportajda soyutlamaya atıfta bulunarak söyledi. “Hikayeler anlatmak istedim!”
“Kötü Alışkanlıklar” (1970) gibi resimlerde, zindana benzer bir alanda kabaca çizilmiş kukuletalı adamlarıyla – bunlardan biri bir kırbaç ya da başka bir işkence aleti sallıyordu – Guston, 30’lardaki takıntılarına geri döndüğünü gösterdi; uygarlığımızın “kötü alışkanlıklarının” (şiddet, ırkçılık, baskı) sonraki on yıllarda nasıl da neredeyse ortadan kaybolmadığını gösteriyorlar. Guston, sessiz bir kukuletalı figürün, hepimizin içine kök salmış ırkçılığı düşündüren bir otoportre çizdiği “Stüdyo” (1969) gibi eserlerde de fırçayı kendi üzerine çevirebilirdi. Sanatçı Glenn Ligon, National Gallery’nin sergi kataloğunda bu tablonun daha sempatik bir okumasını sunuyor; ancak şöyle yazıyor: “Komedyen George Carlin bir keresinde, ‘Buna ‘Amerikan Rüyası’ demelerinin nedeni, buna inanmak için uykuda olmanız gerektiğidir” demişti.
Bay Ligon, “Guston’ın muğlak anlatıları ve kışkırtıcı konuları ile ‘başlık’ resimleri uykuda değil” diye devam ediyor. “Uyandılar.”
Figürlerin ve başlıkların geri dönüşüyle birlikte – şimdi 70’lerin başında akranlarını bile şaşırtan kaba, karikatürize bir tarzda çizilmiş – Guston sıradan nesneleri boyamaya devam etti: hem maddiliği hem de gündelikliği öne çıkaran ayakkabılar, teneke kutular, saatler ve tuğlalar. boyama. Eleştirmen Harold Rosenberg, daha sonraki çalışmalarını “bağımsızlıktan kurtuluş” olarak nitelendirdi – yani, dağınık siyaseti, bedeni, başarısızlığı veya bir sanatçının yaşamı boyunca yaşadığı değişiklikleri ele almaktan korkmazdı.
Ve bu nedenle sanatçılar Guston’un arkasında toplandılar: Çalışmalarında bir müttefik, zanaat ve kendini yansıtmaya adanmışlık – ama aynı zamanda sanat dünyasında veya ötesinde baskı karşısında bir cesaret ve özgürlük modeli görüyorlar.
